The Moody Blues se formó el 4 de mayo de 1964 en Erdington, Birmingham, Inglaterra. Sus orígenes se remontan a la banda El Riot & The Rebels, de la cual eran miembros Ray Thomas, John Lodge y Michael Pinder. Tras la disolución de ese grupo debido a que Lodge ingresó a la universidad técnica y Pinder se unió al ejército, Thomas y Pinder se reencontraron para formar The Krew Cats. Esta nueva formación reclutó al guitarrista y vocalista Denny Laine, al mánager convertido en baterista Graeme Edge y al bajista Clint Warwick. Así, los cinco músicos debutaron como The Moody Blues en Birmingham en 1964. El nombre de la banda surgió de una esperanza fallida de patrocinio por parte de la cervecería M&B, lo que los llevó a autodenominarse inicialmente "The M B's" y "The M B Five", haciendo también una sutil referencia a la canción de Duke Ellington, "Mood Indigo". En sus inicios, actuaban como grupo residente en el Carlton Ballroom, un local que más tarde se convertiría en el famoso club de rock Mothers, ubicado en Erdington High Street.
Poco después de su formación, consiguieron una compañía de gestión en Londres llamada 'Ridgepride', fundada por Alex Murray, ex empleado del departamento de Artistas y Repertorio (A&R) de Decca Records. Murray, también conocido como Alex Wharton, fue fundamental para que la banda obtuviera un contrato de grabación con Decca en la primavera de 1964. Inicialmente, firmaron con la compañía de gestión, la cual luego arrendó sus grabaciones a Decca. Ese mismo año lanzaron su primer sencillo, "Steal Your Heart Away", que no logró entrar en las listas de éxitos. Sin embargo, la banda sí apareció en el popular programa británico "Ready Steady Go!" interpretando el animado lado B, "Lose Your Money (But Don't Lose your Mind)". Fue su segundo sencillo, "Go Now", lanzado más tarde ese año, el que catapultó su carrera. Este tema fue promocionado con uno de los primeros vídeos musicales concebidos específicamente para la era del pop, producido y dirigido por Alex Wharton. El sencillo se convirtió en un gran éxito en el Reino Unido, donde alcanzó el número 1 —y sigue siendo su único sencillo en lograr esa posición—, y también tuvo buena recepción en Estados Unidos, llegando al número 10. Tras este éxito, la banda enfrentó problemas de gestión y finalmente firmó directamente con Decca Records en el Reino Unido, y con London Records en Estados Unidos, como artistas de grabación. A principios de 1965, se publicó un EP de cuatro canciones titulado simplemente "The Moody Blues", que incluía ambos lados de sus dos primeros sencillos, en un estuche con imagen a color.

Su álbum debut, The Magnificent Moodies, producido por Denny Cordell con un marcado estilo Merseybeat y R&B, fue lanzado por Decca solo en formato monoaural en 1965. El disco contenía el exitoso sencillo "Go Now" junto a un lado lleno de versiones clásicas de R&B y otro lado con cuatro temas originales compuestos por Laine y Pinder. Del álbum se extrajo el sencillo "Bye Bye Bird" en diciembre de 1965, que logró posicionarse en las listas francesas, alcanzando el número 3.
Tras la partida de Alex Wharton de la compañía de gestión, el grupo lanzó una serie de sencillos que tuvieron relativamente poco éxito. Lograron un hit menor en el Reino Unido con su versión de "I Don't Want To Go On Without You", que llegó al número 33 en febrero de 1965. En mayo del mismo año, lanzaron el original de Pinder y Laine "From The Bottom of My Heart (I Love You)", que alcanzó el puesto 22. Esta canción, producida por Denny Cordell, ya presentaba un sonido coral vocal al final que anticipaba el estilo que más tarde definiría su megaéxito "Nights in White Satin". Otros sencillos lanzados en el Reino Unido fueron "Everyday", que llegó al número 44 en octubre de 1965, seguido por "This is My House (But Nobody Calls)" y "Boulevard de la Madeleine", ambos lanzados en 1966. En junio de 1966, el bajista Clint Warwick dejó el grupo y fue reemplazado brevemente por Rod Clark. Sin embargo, en octubre de ese año, Clark también abandonó la banda, lo que provocó que el grupo se separara temporalmente durante un mes.

A finales de 1966, Denny Laine también decidió irse. Un último sencillo de esta primera formación, conocida como los 'Mark One' Moodies, titulado "Life's Not Life" —compuesto por Pinder y Laine—, estaba programado para ser lanzado en enero de 1967, aunque a menudo se ha dicho erróneamente que este lanzamiento fue cancelado, existen copias promocionales y regulares que confirman su existencia.
El grupo se reformó en noviembre de 1966 con nuevos miembros: John Lodge, quien regresaba como bajista tras su paso por El Riot, y Justin Hayward, ex miembro de The Wilde Three. Hayward fue recomendado a Pinder por Eric Burdon de The Animals y respaldado por el famoso cantante británico Marty Wilde. Según relatos, Pinder quedó impresionado cuando Hayward, durante el viaje en coche para reunirse con los otros miembros en Esher, le tocó su propio sencillo de 45 rpm, "London Is Behind Me".
Tras enfrentar problemas financieros y una confrontación desagradable con un miembro del público, la banda llegó a la conclusión de que su repertorio basado en versiones de blues americano y canciones novedosas ya no funcionaba. Decidieron, por tanto, interpretar exclusivamente material propio. Fue entonces cuando fueron presentados al productor de Decca, Tony Clarke, quien produjo una sesión de grabación que dio como resultado "Fly Me High" de Justin Hayward y "Really Haven't Got the Time" de Mike Pinder. Este fue el primer sencillo de la nueva formación, conocida como los 'Mark Two' Moodies, lanzado en mayo de 1967. Aunque recibió buena difusión en la radio y críticas favorables, no logró entrar en las listas del Reino Unido. No obstante, el sonido del sencillo ya daba claras pistas de la dirección musical que tomaría la banda en el futuro. Su nuevo estilo, caracterizado por los sonidos sinfónicos del Mellotron de Pinder, se introdujo plenamente en la canción "Love And Beauty", lanzada como sencillo en septiembre de 1967 junto al tema más roquero de Hayward, "Leave This Man Alone". Aunque tampoco fue un éxito comercial en el Reino Unido, este lanzamiento consolidó aún más su nueva identidad musical. La flauta de Ray Thomas, que ya había estado presente en su álbum debut en temas como "I've Got A Dream", se convirtió en un instrumento mucho más destacado a partir de este momento. La banda comenzó a incorporar claras influencias psicodélicas, las cuales se desarrollarían plenamente en su próximo proyecto: un álbum conceptual que giraría en torno a un día arquetípico en la vida de cualquier persona.

El contrato de The Moody Blues con Decca Records estaba a punto de expirar y la banda le debía a la discográfica varios miles de libras en adelantos. Sin embargo, contaban con el crucial apoyo de Hugh Mendl, el gerente de A&R de Decca, quien había sido clave en la creación reciente de Deram Records, un nuevo sello subsidiario de London/Decca. Gracias a la intervención de Mendl, a The Moody Blues se les ofreció un acuerdo singular: grabar una versión de rock and roll de la Sinfonía del Nuevo Mundo de Antonín Dvořák. Este proyecto tenía como objetivo promocionar el nuevo formato de audio Deramic Stereo Sound (DSS), y a cambio, la deuda de la banda sería perdonada.
La banda aceptó la propuesta, pero insistió en tener control artístico total sobre el proyecto. Hugh Mendl, actuando como productor ejecutivo, logró concederles este control a pesar de la conocida tacañería de Decca con sus artistas. Sin embargo, el grupo nunca llegó a completar la versión de la sinfonía de Dvořák, proyecto que fue finalmente abandonado. En su lugar, lograron convencer a Peter Knight, el arreglista y director orquestal asignado originalmente para el proyecto, para que colaborara en una grabación completamente nueva que utilizara material original de la banda.

Aunque los ejecutivos de Deram se mostraron inicialmente escépticos ante el innovador concepto híbrido del álbum resultante, Days of Future Passed, lanzado en noviembre de 1967, se convirtió en uno de los lanzamientos de pop/rock más exitosos de la época. El álbum obtuvo un disco de oro y alcanzó el puesto número 27 en la lista de álbumes británica. Cinco años más tarde, en 1972, llegaría al número 3 en las listas estadounidenses de Billboard. El álbum es un ciclo de canciones o álbum conceptual que transcurre a lo largo de un solo día, desde el amanecer hasta la medianoche. En cuanto a su producción y arreglos, se inspiró en el uso pionero de la instrumentación clásica por parte de The Beatles, a quienes el propio Pinder había presentado el Mellotron ese mismo año. La banda llevó esta fusión a nuevas alturas al utilizar a la London Festival Orchestra —un nombre ficticio dado a una asociación informal de músicos clásicos de Decca para que sonara más impresionante—. Esta orquesta proporcionó un marco orquestal que unía las canciones ya escritas e interpretadas por los Moodies, además de interpretar las secciones de obertura y conclusión del álbum, incluyendo el acompañamiento musical a los poemas de apertura y cierre escritos por Graeme Edge y recitados por Mike Pinder. Se añadieron cuerdas a la versión del álbum de "Nights in White Satin" de Hayward —elemento ausente en la exitosa versión del sencillo—, así como en "The Sun Set" de Pinder. Es importante destacar que la orquesta y el grupo nunca tocaron juntos en el estudio; la banda grababa primero sus partes, luego Peter Knight componía rápidamente las secciones orquestales de transición que los músicos de Decca grababan posteriormente. Por lo tanto, el álbum fue una obra original tanto de Knight como del grupo. Los créditos de composición en la portada se listaron erróneamente como "Redwave-Knight", cuando en realidad Justin Hayward escribió "Nights in White Satin" y "Tuesday Afternoon", Ray Thomas compuso "Another Morning" y "Twilight Time", John Lodge escribió "Peak Hour" y "Evening (Time To Get Away)", y Graeme Edge contribuyó con los poemas de apertura ("Morning Glory") y cierre ("Late Lament"), recitados por Mike Pinder, quien además compuso "The Sun Set" y "Dawn is a Feeling" —esta última cantada por Hayward, con Pinder interpretando el puente.

El productor de Decca, Tony Clarke, estuvo a cargo de la producción del álbum y, a partir de entonces, se convirtió en el productor permanente de la banda, trabajando en todos sus álbumes y sencillos durante los siguientes once años. Por ello, los fans a menudo lo apodaron "El Sexto Moodie". El ingeniero Derek Varnals también jugó un papel fundamental en la creación del característico sonido de estudio de los primeros Moody Blues. Trabajó en estrecha colaboración con Pinder y Clarke para crear un sonido sinfónico más envolvente en el Mellotron, en contraste con el tono agudo y cortante que normalmente producía el instrumento. Esto se logró en parte eliminando todas las cintas de "efectos de sonido" —como trenes, silbatos o el canto del gallo— y luego duplicando las cintas que contenían sonidos de instrumentos orquestales. Combinado con la habilidad y sensibilidad de Pinder al tocar —quien había trabajado previamente para la empresa fabricante del Mellotron— y las técnicas de grabación de Varnals, se creó un distintivo sonido de "onda" orquestal que caracterizó su música incluso en futuros álbumes que no incluían una orquesta real.
A pesar de su ambicioso concepto, el álbum y sus dos sencillos principales, "Nights in White Satin" y "Tuesday Afternoon" —este último lanzado como un popurrí con "Forever Afternoon"—, tardaron en encontrar su público. En el Reino Unido, los dos sencillos no tuvieron un impacto inmediato; "Nights in White Satin" solo alcanzó el puesto 19 en la lista de sencillos a principios de 1968, y "Tuesday Afternoon" ni siquiera entró en las listas. Sin embargo, con el tiempo, el público británico aprendió a apreciar "Nights in White Satin", que alcanzó el puesto 9 en una reedición en diciembre de 1972 y el 14 en otra reedición a finales de 1979, convirtiéndose en la canción insignia de la banda para el público de su país. En Estados Unidos, "Nights in White Satin" no entró en la Billboard Hot 100 en 1968, aunque llegaría al número 2 en una reedición en 1972. Por otro lado, "Tuesday Afternoon" tuvo más éxito en su lanzamiento inicial en EE.UU., alcanzando el puesto 24 en la Billboard Hot 100.

El siguiente álbum, In Search of the Lost Chord (1968), incluía "Legend of a Mind", una canción escrita por Ray Thomas en homenaje al gurú del LSD Timothy Leary, y que contaba con un memorable solo de flauta del propio Thomas —cabe mencionar que cuatro miembros de la banda habían consumido LSD juntos a principios de 1967—. Se filmó un vídeo promocional de la canción en el Castillo de Groot-Bijgaarden, cerca de Bruselas, Bélgica. John Lodge contribuyó con la canción en dos partes "House of Four Doors", ubicada a cada lado de la pieza épica de Thomas. Justin Hayward, inspirado por George Harrison, comenzó a tocar el sitar e incorporarlo a la música de la banda en temas como "Voices in the Sky" y "Visions of Paradise". Precisamente, "Voices in the Sky" de Hayward entró en las listas británicas como sencillo, alcanzando el número 27, al igual que "Ride My See-Saw" de Lodge, que llegó al 42 en el Reino Unido y al 15 en Francia —y que sigue siendo su número de cierre de concierto hasta hoy—. Este sencillo tenía como lado B la canción de Pinder "A Simple Game", que no estaba incluida en el álbum. Otros puntos destacados del álbum fueron "The Best Way To Travel" de Pinder y su canción de cierre "Om", cantada por Pinder y Thomas, con Hayward nuevamente en el sitar. Graeme Edge encontró un papel secundario pero significativo como poeta de la banda. En sus primeros álbumes de finales de los sesenta, era común que comenzaran con varios miembros recitando poemas de Edge que estaban conceptualmente relacionados con las letras de las canciones que seguían. El propio Edge narra su breve poema "Departure" en In Search of the Lost Chord.

En On the Threshold of a Dream (1969), Hayward, Edge y Pinder comparten la narración inicial en "In The Beginning", un poema de Edge que da paso a "Lovely To See You" de Hayward. Su canción "Never Comes The Day" fue lanzado como sencillo en el Reino Unido, mientras que las agudas observaciones sobre la vida cotidiana de Thomas en "Dear Diary" y "Lazy Day" fueron elementos destacados del álbum. Pinder contribuyó con la pista de cierre del lado uno, "So Deep Within You". El lado dos concluye con la "Dream Sequence", donde el poema de Edge "The Dream" introduce las partes I y II de "Have You Heard" de Pinder, separadas por su pieza instrumental de temática clásica "The Voyage".
La música de la banda continuó volviéndose más compleja y sinfónica, con una gran cantidad de reverberación en las pistas vocales, lo que culminó en el álbum To Our Children's Children's Children (1969), un ambicioso álbum conceptual inspirado en el histórico primer alunizaje del Apolo 11. La pista de apertura, "Higher And Higher", presenta a Pinder simulando el despegue de un cohete con sus teclados, para luego narrar las letras escritas por Edge. "Floating" y "Eternity Road" de Thomas fueron puntos destacados, al igual que "Gypsy" de Hayward y la rara colaboración Pinder-Lodge "Out And In". Lodge aportó "Eyes of A Child" y "Candle of Life", mientras que Pinder contribuyó con "Sun is Still Shining". El álbum cierra con "Watching and Waiting", compuesta por Ray Thomas y Justin Hayward y cantada por este último. Esta canción fue lanzado como sencillo en el sello Threshold, pero no logró entrar en las listas.
Aunque los Moodies ya habían definido un estilo psicodélico y fueron pioneros en ayudar a definir el sonido del rock progresivo —también conocido entonces como 'art rock'—, decidieron grabar un álbum que pudiera ser replicado fielmente en concierto. Esto implicó sacrificar parte de su característico sonido orquestal y sinfónico para A Question of Balance (1970). Este álbum, que alcanzó el número 3 en las listas estadounidenses y el número 1 en las británicas, fue un claro indicio del creciente éxito de la banda en Estados Unidos. "Question" de Hayward —en una versión ligeramente diferente— fue lanzado como sencillo y alcanzó el número 2 en el Reino Unido, solo superado por el disco novedoso del equipo de fútbol inglés "Back Home". Durante este período, Justin Hayward comenzó a experimentar intensamente con el tono de su guitarra, utilizando numerosos pedales de efectos y cajas de fuzz, lo que le permitió desarrollar un sonido de solo muy melódico y distintivo. The Moody Blues ya se había consolidado como un acto principal, apareciendo dos veces en los legendarios festivales de la Isla de Wight —de los cuales existe un DVD de su actuación de 1970—. Además de "Question", otro punto destacado del álbum de 1970 fue "Melancholy Man" de Pinder, que alcanzó el número 1 en Francia.

Para sus dos siguientes álbumes, Every Good Boy Deserves Favour (1971) —del cual se extrajo el sencillo "The Story in Your Eyes" de Hayward, que entró en las listas estadounidenses en el puesto 23— y Seventh Sojourn (1972) —que alcanzó el número 1 en EE.UU.—, la banda regresó a su característico sonido orquestal. Aunque este sonido era difícil de reproducir en vivo, se había convertido en su marca registrada. El título Every Good Boy Deserves Favour fue tomado, irónicamente, de una mnemotecnia utilizada para recordar las notas musicales que forman las líneas de la clave de sol: EGBDF. La pista de apertura, "Procession", fue el único tema compuesto por los cinco miembros de la banda. Es una pieza fascinante que representa la "evolución" de la música y que da paso a "Story in Your Eyes" de Hayward. "Our Guessing Game" y el caprichoso "Nice To Be Here" de Thomas contrarrestan el drama más profundo de "You Can Never Go Home" de Hayward, "One More Time To Live" de Lodge y "My Song" de Pinder. Graeme Edge, el baterista-poeta, comenzó a escribir letras destinadas a ser cantadas, en lugar de versos para ser recitados. Su canción "After You Came" (1971) presentaba a cada uno de los cuatro vocalistas principales tomando una sección vocal. Luego, en 1972, las canciones de Lodge "Isn't Life Strange?" (número 13) y "I'm Just A Singer (in A Rock 'n' Roll Band)" (número 36) fueron extraídas de Seventh Sojourn como sencillos en el Reino Unido. Este último álbum también vio a Pinder usando el nuevo instrumento Chamberlain en lugar del Mellotron y a Edge experimentando con una batería electrónica. El conmovedor lamento de Pinder "Lost in A Lost World" abre este último trabajo del "Core Seven", mientras que su oda solidaria a Timothy Leary "When You're A Free Man", el romántico "For My Lady" de Thomas y el sereno "New Horizons" de Hayward fueron otros puntos destacados. Cada miembro aportó canciones muy conocidas durante este período. Además de los sencillos, las canciones de Pinder "A Simple Game" (1968) y "So Deep Within You" (1969) fueron versionadas con éxito por The Four Tops. Pinder ganó un Premio Ivor Novello por "A Simple Game", y Elkie Brooks más tarde versionó "Nights in White Satin" de Hayward. Pinder también hizo una aparición en el álbum Imagine de John Lennon en 1971, proporcionando percusión adicional en "I Don't Wanna Be A Soldier (I Don't Want To Die)". Las portadas de los álbumes de 1968 a 1972, así como varios trabajos en solitario hasta Hopes, Wishes & Dreams de Ray Thomas en 1976, se caracterizaron por llamativas ilustraciones surrealistas —en su mayoría portadas desplegables— del artista Phil Travers.

A finales de 1972, una reedición del ya clásico "Nights in White Satin" —con cinco años de antigüedad— se convirtió en el mayor éxito de los Moody Blues en Estados Unidos, subiendo al número dos en la Billboard Hot 100 y convirtiéndose en un éxito certificado de un millón de ventas; la canción había estado "rozando" las listas Hot 100 en su lanzamiento original. La canción también regresó a las listas del Reino Unido, alcanzando el número 9, diez puestos más alto que su lanzamiento original en 1967.
Los Moodies también estuvieron entre los pioneros de la idea de que una banda de rock exitosa podría promocionarse a través de su propio sello discográfico, siguiendo el ejemplo de Apple Records, creado por los Beatles. Después de su álbum On the Threshold of a Dream (1969), crearon Threshold Records, impulsados en parte por disputas con London/Deram sobre los altos costos de diseño de los álbumes —sus estuches desplegables y el costoso arte de la portada no eran populares entre los ejecutivos de la compañía—. Threshold produciría nuevos álbumes y los entregaría a London/Decca, que actuaba como distribuidor. El grupo intentó convertir a Threshold en un sello importante desarrollando nuevos talentos, como la banda de hard rock británica Trapeze y el sexteto clásico-acústico de Portland, Oregón, Providence, pero estos esfuerzos no tuvieron éxito y los Moodies finalmente regresaron a contratos de grabación más tradicionales. Sin embargo, sentaron las bases para que otros actos importantes crearan sellos personales y acuerdos de distribución similares, incluyendo el propio sello de The Rolling Stones y Swan Song de Led Zeppelin. Todos los lanzamientos de estudio de los Moodies desde 1969 hasta 1999 llevarían el logotipo de Threshold en al menos una de sus versiones de formato.

En la primavera de 1974, después de completar una vasta gira mundial que culminó con una gira por Asia, el grupo decidió tomarse un largo descanso. Según declaró el propio Justin Hayward en la revista Higher & Higher en 2006, los otros miembros de la banda se sentían agotados y eclipsados. Aunque la banda típicamente contaba con cuatro vocalistas principales —con Hayward como el guitarrista/vocalista principal—, Mike Pinder era considerado la persona más responsable de su sonido sinfónico, sus arreglos y su dirección conceptual general. Pinder y Thomas se encargaban de gran parte del trabajo de contacto con el público en el escenario.

Antes de la gira mundial de la banda de 1973-74, Hayward escribió una canción llamada "Island" con la intención de incluirla en un posible álbum de seguimiento, que los Moodies grabaron en 1973 antes de finalmente seguir caminos separados. Una de las principales razones del hiato fue que su posición se había vuelto casi aterradora en ese momento. Tenían tantos empleados que los miembros de la banda no podían reconocerlos a todos, y enfrentaban a fans equivocados que buscaban algún tipo de bendiciones papales o curas milagrosas para enfermedades. Esta adoración exagerada perturbó profundamente a los miembros, quienes también sentían la tensión de tratar de dirigir su propio sello discográfico, tal como lo habían hecho antes los Beatles. Ray Thomas comentó en una ocasión que se encontró en el metro con una pila de documentos legales. Otra causa del hiato fueron las largas giras que, en ese momento, habían agotado especialmente a Mike Pinder, quien necesitaba un descanso. En 1974, la banda supervisó la preparación del álbum recopilatorio This Is The Moody Blues, que se lanzó ese año.
Durante este período de pausa, los miembros se dedicaron a proyectos individuales. Justin Hayward y John Lodge lanzaron un álbum a dúo, el muy exitoso Blue Jays (1975), y un sencillo que entró en las listas del Reino Unido, "Blue Guitar" (número 8), que se le atribuyó a Hayward y Lodge a pesar de que en realidad era solo Hayward con el respaldo de la banda 10cc. El álbum había sido originalmente un proyecto entre Hayward y Pinder, pero después de que Pinder se retirara, John Lodge intervino, con Tony Clarke como productor.

Luego, cada miembro lanzó álbumes en solitario. Pinder dijo que esperaba que la banda se reuniera ese año, pero al regresar a Inglaterra para una visita en el verano de 1975, encontró una respuesta tan débil de sus compañeros que decidió regresar a California, donde comenzó a trabajar en su álbum en solitario The Promise. Graeme Edge produjo dos álbumes con el guitarrista Adrian Gurvitz: Kick Off Your Muddy Boots (1975) y Paradise Ballroom (1976). Justin Hayward compuso el texturizado acústicamente Songwriter (1977), seguido en años posteriores por Night Flight (1980), Moving Mountains (1985) —dedicado a Peter Knight—, Classic Blue (1989), The View From The Hill (1996) y Live In San Juan Capistrano (1998). John Lodge lanzó Natural Avenue (1977). Ray Thomas colaboró en dos proyectos con el compositor Nicky James, produciendo From Mighty Oaks (1975) y Hopes, Wishes and Dreams (1976).

En 1977, el grupo tomó la decisión de volver a grabar juntos, presionados por su compañía discográfica, Decca en el Reino Unido, que los instaba a hacer un álbum de reunión. London Records, por su parte, decidió lanzar una grabación en vivo de la banda realizada ocho años antes en el Royal Albert Hall, con una mezcla deficiente y en contra de los deseos artísticos del grupo. Esta maniobra fue un intento de reavivar el interés público en los Moody Blues antes del lanzamiento de su nuevo álbum. Para entonces, Pinder se había casado y formado una familia en California, por lo que para la grabación de su reunión, la banda se trasladó a Estados Unidos con el productor Tony Clarke. Las sesiones estuvieron marcadas por la tensión y la división: primero hubo un incendio en los estudios que estaban utilizando, y luego, después de reubicarse en el estudio casero de Pinder, un deslizamiento de tierra tras lluvias torrenciales los aisló, lo que inevitablemente provocó que las tensiones aumentaran. Finalmente, Pinder se retiró del proyecto antes de su finalización.

El productor Tony Clarke también se vio obligado a abandonar el proyecto por razones no musicales antes de que el álbum estuviera terminado. Sin embargo, en la primavera de 1978, Octave estaba listo para su lanzamiento. Pinder, citando a su joven familia y probablemente considerando que los días de gira de la banda habían quedado atrás, se excusó de los compromisos de la gira que seguirían. Esta decisión causó cierta acritud abierta dentro de la banda, especialmente por parte de Edge. Ray Thomas afirmó que Pinder inicialmente había estado de acuerdo con la gira, y que su posterior retirada —con una importante gira de regreso ya planeada— fue un golpe severo y embarazoso para ellos. Sus mánagers intentaron minimizar por completo la ausencia de Pinder, especialmente en una importante fiesta de prensa musical británica organizada por Decca, donde un dignatario de la compañía, en su discurso de "bienvenida", se refirió abiertamente a que "Mike Pinder estaba actualmente ausente en los Estados Unidos", causando consternación en la banda.
Durante este período, la banda de rock progresivo Yes había despedido a su teclista, Patrick Moraz. El mánager de Moraz tenía contactos con los Moodies, y después de una audición exitosa con la banda en Inglaterra en 1978, Moraz fue contratado como teclista para la gira mundial de Octave, que comenzó en Alemania en octubre.

A pesar de estas dificultades, el álbum en sí se vendió bien y produjo los éxitos "Steppin' in a Slide Zone" (número 39 en EE.UU.), escrita por Lodge, y "Driftwood" (número 59 en EE.UU.), escrita por Hayward. El vídeo musical producido para "Driftwood" presenta a Moraz, aunque Mike Pinder fue quien tocó los teclados en la grabación real. El vídeo de "Steppin' in a Slide Zone" simplemente muestra a los otros cuatro miembros, lo cual era incómodo ya que los teclados de Pinder aparecen extensamente en la canción. Una actuación del grupo en el programa de televisión británico "Kenny Everett Show" también los mostraba como un cuarteto. En Octave, Hayward tenía cuatro canciones compuestas en solitario, más que en cualquier otro álbum hasta ese momento. Edge contribuyó con "I'll Be Level With You", una de las pocas canciones que mostraban una completa unidad de grupo. Algunas canciones sonaban como esfuerzos en solitario, mientras que "Survival" de Lodge, el apropiado cierre de Hayward "The Day We Meet Again" y la última contribución y voz principal de Pinder, "One Step Into The Light" —curiosamente, la banda se representa haciéndolo en la foto de la portada, donde Pinder apenas se vislumbra y está casi fuera de foco— fueron los puntos culminantes del álbum. Por esta época, Justin Hayward disfrutó de un éxito en solitario (número 5) en el Reino Unido con la canción "Forever Autumn" de Jeff Wayne's Musical Version of The War of the Worlds.
Los Moodies realizaron giras por los Estados Unidos y Europa durante gran parte de 1979. Para 1980, estaban listos para grabar de nuevo, esta vez trayendo al productor Pip Williams. Patrick Moraz se mantuvo como teclista permanente de la banda, aunque Pinder originalmente había entendido que continuaría grabando en el estudio incluso si no estaba de gira. Pinder intentó medidas legales para evitar que el nuevo álbum de Moody Blues llegara al público sin sus contribuciones, pero no tuvo éxito y, en última instancia, nunca regresó al grupo. Cuando se lanzó en 1981, Long Distance Voyager fue un éxito colosal, alcanzando el número 1 en Billboard y llegando al Top 5 en el Reino Unido.

El álbum produjo dos grandes éxitos: "The Voice" (número 15 en EE.UU.), escrita por Hayward, y "Gemini Dream" (número 12 en EE.UU.), escrita por Hayward y Lodge. "Talking out of Turn" de John Lodge también entró en las listas de EE.UU., alcanzando el número 65. Edge proporcionó "22,000 Days", con Thomas como voz principal acompañado por Hayward y Lodge, mientras que las propias contribuciones de Thomas fueron la parte final del conjunto con su canto en las dos últimas canciones: "Painted Smile", "Reflective Smile" —un poema narrado por un DJ amigo de la banda— y "Veteran Cosmic Rocker". Para entonces, el mellotron había sido dejado de lado como su principal instrumento de teclado en el estudio, y la banda adoptó un enfoque más moderno y menos sinfónico, aunque aún conservando un exuberante sonido liderado por teclados, ya que Moraz le dio un toque más contemporáneo a su sonido. En los conciertos en vivo, el mellotron todavía sería usado mucho por Patrick Moraz hasta mediados de la década de 1980, incluso en canciones que originalmente no lo incluían. La fórmula de marketing para la banda exigía a partir de este momento que una canción de Justin Hayward encabezara sus álbumes de estudio, ya que su material era el más popular. Hayward siempre había escrito la mayoría de sus sencillos de éxito, seguido por Lodge. Sin embargo, a partir de este punto, Hayward tuvo que asumir una carga de composición mucho mayor, especialmente en ausencia de Pinder. También las contribuciones de canciones de Ray Thomas comenzaron a disminuir.
The Present (1983), nuevamente producido por Pip Williams, resultó menos exitoso que su predecesor, aunque generó un éxito en el Top 40 del Reino Unido (número 35) con "Blue World" (número 62 en EE.UU.) y un éxito en el Top 40 de EE.UU. con "Sitting at the Wheel" —que no entró en las listas del Reino Unido—. También se produjeron vídeos para ambos sencillos. "The Present" fue lanzado en conjunto con Talencora Ltd. poco antes de que Polydor Records comprara Decca.
En 1986, disfrutaron de un éxito renovado con su álbum The Other Side of Life y, en particular, con el tema "Your Wildest Dreams", un éxito en el Top 10 de EE.UU. —y número 1 en la lista de sencillos de Adult Contemporary de Billboard durante dos semanas— que obtuvo un premio Billboard Video of the Year después de ser frecuentemente emitido en MTV. El recién contratado productor Tony Visconti y Barry Radman, un programador de sintetizadores, entregaron un sonido moderno que los Moodies habían buscado para seguir siendo competitivos. La canción principal del álbum también entró en las listas de EE.UU., en el número 58.

El renovado interés en la banda aseguró una audiencia más joven, con muchos de sus seguidores de toda la vida permaneciendo leales, aunque algunos fans mayores encontraban los álbumes de este período mucho más ligeros en contenido. Por ejemplo, John Lodge había pasado de escribir piezas poderosamente reflexivas como "House of Four Doors" o "Candle of Life" a temas más comerciales como "Here Comes The Weekend" o "Love is On the Run (From Me)". Las canciones de Hayward parecían haber evolucionado desde el drama profundo de números como "The Actor" o "You Can Never Go Home" hacia baladas más simples y amigables para la radio sobre el amor perdido, como "Your Wildest Dreams" o "No More Lies". Aún se creaban algunas canciones más profundas, como "The Voice" o "The Spirit", pero el tono general de la banda se había vuelto notablemente más ligero y comercial. Significativamente, sus shows en vivo de este período incluían muchas pistas de sus álbumes de los ochenta, aunque con el tiempo, los clásicos de la era "Core Seven" comenzaron a reaparecer gradualmente en su lista de reproducción.

The Moody Blues actuó en vivo en el Birmingham Heart Beat Charity Concert de 1986, que recaudó dinero para el Birmingham Children's Hospital. La banda tocó cuatro canciones y luego proporcionó respaldo con la Electric Light Orchestra para George Harrison.
Los Moodies continuaron su éxito en la era de los vídeos con Sur La Mer (1988) y su sencillo "I Know You're Out There Somewhere" (número 30 en EE.UU., número 52 en el Reino Unido, número 2 en Mainstream Rock de EE.UU.), una secuela de "Your Wildest Dreams". Su sonido adquirió una calidad cada vez más sintética y técnica a medida que Moraz y Visconti usaban secuenciadores, samplers y cajas de ritmos modernas. Durante este tiempo, Justin Hayward y John Lodge escribieron y cantaron la mayoría de las canciones, ya que la banda fue presionada por su nueva compañía discográfica, PolyGram Records, para promover a los que consideraba los dos miembros con un aspecto y sonido más comerciales. Ray Thomas estaba desempeñando un papel disminuido en el estudio. La banda estaba evolucionando hacia un acto de synthpop, con música que no era del todo adecuada para una flauta. En este punto, Thomas fue relegado en gran medida a la condición de cantante de acompañamiento. También estuvo enfermo durante este período, lo que limitó aún más su participación en el estudio. Proporcionó algunas voces de acompañamiento para The Other Side of Life y Sur La Mer; sin embargo, múltiples consideraciones de producción llevaron a Visconti a dejar las voces de Thomas fuera de este último álbum, reduciendo aún más la textura de su sonido vocal, que había pasado de ricas armonías de cuatro partes a solo las voces de Hayward y Lodge.

El alto valor de Ray Thomas se mantuvo en el escenario principalmente por su capacidad para cantar sus clásicos de los años 60 y 70, y también por los dúos de flauta y teclado que compuso con Patrick Moraz, interpretados únicamente por ellos dos durante los conciertos. La banda había comenzado a reforzar su sonido de concierto en 1986 con la incorporación de un segundo teclista —primero Bias Boshell, luego Guy Allison, y Boshell nuevamente en 1990—, así como de cantantes de acompañamiento femeninas.
En 1991, a mitad de la producción de su nuevo álbum de studio, Patrick Moraz hizo comentarios en un artículo de la revista Keyboard Magazine que sugerían insatisfacción con su papel en los Moodies. Sus quejas iban desde que la música se volvía demasiado simple en estructura hasta la renuencia de los otros miembros a permitirle hacer contribuciones significativas a la composición. También estaba dedicando mucho tiempo a planificar un concierto en Suiza, en lugar de ensayar con la banda.

Fue despedido antes de que el proyecto se completara. Bias Boshell y el nuevo teclista Paul Bliss fueron traídos para terminar las pistas de teclado. A pesar de que Moraz había sido acreditado como 'miembro oficial de la banda' en los álbumes de los ochenta, las compilaciones posteriores ahora se refieren a él como simplemente un 'teclista adicional'. Moraz emprendió acciones legales contra el grupo en los Estados Unidos, que ganó, pero se le otorgó solo una suma nominal.
Keys of the Kingdom (1991) tuvo un éxito comercial modesto. Una vez más, las canciones de Hayward encabezaron el álbum, con los nuevos sencillos "Say It With Love" y "Bless the Wings (That Bring You Back)". También se incluyó una nueva pieza de flauta ambiental de Ray Thomas titulada "Celtic Sonant". Hayward y Thomas también coescribieron "Never Blame The Rainbows For The Rain" para cerrar el álbum. John Lodge haría un cambio definitivo en su composición, gravitando hacia baladas de amor lentas como "Lean On Me (Tonight)", mientras que sus canciones más poderosas continuaron con "Magic" y "Shadows On the Wall". Esta tendencia más suave continuaría en los próximos álbumes. Tony Visconti produjo algunas pistas, al igual que Christopher Neil y Alan Tarney. La gira subsiguiente los vio invitados a tocar en el Festival de Jazz de Montreux. Una canción no incluida en el álbum, "Highway", se incluyó en el sencillo de doce pulgadas "Say it With Love".
El grupo siguió siendo un acto de conciertos constante. Su concierto Night at Red Rocks de 1992, lanzado en vídeo y audio, disfrutó de a gran éxito, especialmente como evento de recaudación de fondos para la televisión pública estadounidense. El concierto fue dirigido y arreglado por Larry Baird. Después de las demandas legales de Pinder en 1981 y Moraz en 1992, la banda tuvo cuidado de no reconocer a futuros teclistas como miembros oficiales. Paul Bliss ha tocado los teclados para la banda en vivo desde 1991. Thomas y Bliss continuaron la tradición del dúo de flauta/teclado. Después de que Edge se lesionara en 1991, el segundo baterista Gordon Marshall fue contratado y se quedó con el grupo permanentemente.

En 2001, se lanzó la película IMAX Journey into Amazing Caves, que presentaba dos nuevas canciones de los Moody Blues. Una de ellas, "Water", es su primera grabación de estudio instrumental desde 1983.
A finales de 2002, el miembro fundador Ray Thomas se retiró, reduciendo la banda al trío de Hayward, Lodge y Edge. La flautista Norda Mullen fue reclutada en 2003 y ha trabajado con la banda desde entonces. En 2003, lanzaron December, un álbum navideño con versiones y originales, el primero en incluir versiones desde su debut en 1965.
En 2006 y 2007, los siete álbumes "Core Seven" fueron relanzados en formato SACD con ediciones de lujo, remasterizadas por Justin Hayward. En 2007, se lanzó Live at the BBC: 1967-1970, una compilación de sesiones y actuaciones de televisión.
En 2007, el parque temático Hard Rock Park anunció un paseo oscuro titulado "Nights in White Satin: The Trip", que cerró en 2009. La banda continuó de gira hasta 2012. En 2016 y 2017, realizaron una extensa gira por EE.UU. En diciembre de 2017, se anunció que la formación clásica —Thomas, Hayward, Edge, Lodge y Pinder—, junto con Denny Laine, sería incluida en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 2018. Ray Thomas falleció el 4 de enero de 2018 a los 76 años tras una batalla contra el cáncer.

Tras la pandemia de COVID-19, John Lodge expresó en 2021 su pesimismo sobre un regreso de la banda al escenario, afirmando que Justin Hayward no deseaba hacer giras con los Moodys. El baterista y cofundador Graeme Edge falleció el 11 de noviembre de 2021 a los 80 años. Justin Hayward declaró que sin Edge, la banda no podía existir. El ex guitarrista Denny Laine falleció el 5 de diciembre de 2023 a los 79 años. El último miembro superviviente, Mike Pinder, falleció pacíficamente en su casa de California el 24 de abril de 2024 a los 82 años.